Ene 21 2011

Investigación

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Qué es Motion Graphics.

Concepción Alonso Valdivieso

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¿Qué son exactamente los Motion Graphics? Muchos aún no lo tienen claro. Si nos ceñimos a una simple traducción literal del término podríamos decir que son “grafismo en movimiento”, pero van mucho más allá. Los Motion Graphics son una técnica con gran capacidad de expresión, y por ello muy utilizada en publicidad, vídeos institucionales, secuencias de créditos, etc. Pueden traducir una compleja idea en un mensaje claro con unos pocos segundos de animación. Al mismo tiempo, los Motion Graphics poseen una estética muy particular, sencilla y muy elegante. Pero cualquier animación podría coincidir con estas características, entonces, ¿dónde está la diferencia entre ellos y una animación de cualquier otro tipo? En este artículo trataremos de hallar la respuesta a través de un recorrido por su evolución y un análisis de sus componentes.

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Animando los títulos cinematográficos: de los pioneros a Saul Bass

Sara Blancas Álvarez

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La irrupción de Saul Bass en el diseño de secuencias de títulos de crédito en 1954 (Carmen Jones, Otto Preminger), y su dedicación a este ámbito hasta 1995 (Casino, Martín Scorsese), supuso una experimentación y renovación continua de la gráfica en movimiento. Durante este periodo Bass realizó el diseño de los títulos de crédito para cincuenta y tres películas, lo que le permitió explorar las diversas posibilidades expresivas que el medio fílmico le ofrecía: imagen de acción real y animación, imagen abstracta y figurativa, texto fijo y en movimiento. En cualquier caso sus propuestas siempre seguían su concepto de “idea simple”. El presente estudio realiza en primer lugar un recorrido desde los orígenes del cine, buscando la presencia de la animación en los títulos de crédito, y posteriormente se centra en las aportaciones realizadas por Saul Bass a través del uso de la animación.

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Experiencias de videomapping en la Animación contemporánea. Formas híbridas y nuevos contextos

Dolores Furió Vita

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¿Qué caracteriza a la animación expandida? ¿Qué aportan las nuevas técnicas de videomapping a la animación contemporánea? El desplazamiento de la animación de las salas de cine a los museos y galerías evidencia los desbordamientos hacia nuevos soportes y territorios. Se abre un nuevo camino donde confluyen la animación tradicional, la instalación, el vídeo y los medios digitales. Este artículo parte de la experimentación con la imagen en movimiento de los artistas de las primeras vanguardias y los dispositivos precinematográficos, hasta llegar a la era digital y el videomapping. La desmaterialización de la obra, la puesta en escena y las nuevas narrativas hacen necesaria una redefinición de la animación contemporánea con técnicas de videomapping desde un punto de vista interdisciplinar, transdisciplinar y postdisciplinar.

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El armario de McLaren: expresión y ocultación del deseo homosexual en la filmografía de Norman McLaren, a través de la reinvención del cuerpo y el espacio

Emilio Martí López

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La homosexualidad de Norman McLaren no ha sido tenida en cuenta en las lecturas de su obra, que suele resaltarse como abstracta y por sus valores técnicos. Proponemos traer su orientación sexual a primer plano, sacando su obra del armario epistemológico en el que sigue esquinada, usando la surreal Love on the Wing como entrada a lo oculto y codificado, para así interpretar las aves que aparecen en sus películas como representantes del deseo homosexual del autor, igual que todo aquello volador y mutable que dialoga entre lo surreal, lo gráfico, abstracto, e incluso realista. Veremos cómo después de la censura de Love on the Wing McLaren pudo haber querido hacer las representaciones sexuales más difíciles de leer, y cómo esta tensión y ambivalencia crearon un cuerpo y un espacio fluidos, fragmentados, muy queer en los sentidos que las nuevas fenomenologías y teorías del espacio y los cuerpos están proporcionándonos.

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Redefiniendo una escuela de animación

José García Moreno

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El departamento de Animación de la Universidad de Loyola Marymount (LMU) se fundó en los años noventa en base a la idea pedagógica del modelo de autor que Dan McLaughlin utilizó exitosamente en la Universidad de California, Los Ángeles (UCLA): un estudiante, un film. La naturaleza histórica y competitiva del mercado de la animación en Los Ángeles impulsó la búsqueda de una identidad propia, puesto que ello permitiría a la escuela distinguirse, competir y progresar. En el 2007, el nuevo programa curricular impulsó el desarrollo del pensamiento crítico para la conceptualización de historias, la promoción y el respeto a la diversidad de las ideas en trabajos de grupo, un intenso programa clásico de dibujo, y procesos tecnológicos que favorecen un flujo eficiente de producción. El cambio elevó el valor de la producción, pero lo más importante es que promovió un inesperado cambio social y artístico que sigue afectando a la escuela en su conjunto. La redefinición de la escuela ha contribuido a educar varias generaciones de artistas tolerantes a la diversidad y entusiastas de la colaboración.

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Foto: Yamashita, Hayley Foster, 2013.

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El camino de la coproducción en el largometraje de animación vasco

Maitane Junguitu Dronda

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La animación en la Comunidad Autónoma Vasca, aunque no ha gozado de demasiada atención en el ámbito académico e industrial, supone uno de los grandes exponentes cinematográficos del audiovisual en el territorio. Con 40 largometrajes estrenados entre 1985 y 2014, las colaboraciones empresariales han ido en aumento. En la primera década únicamente hay exponentes de producciones totalmente vascas. A partir de la segunda década, las coproducciones entre varias empresas vascas y otras españolas han ido en aumento, para llegar en los últimos años a realizar colaboraciones internacionales.

Al tiempo que la pluralidad del tipo de producciones iba en aumento, argumentalmente algunos films han seguido presentando ambientaciones locales que han mostrado mensajes universales. A esto también se le han sumado apuestas por géneros como el de terror. Técnicamente también se ha experimentado en la última década, con ejemplos de filmes realizados mediante Flash y stop-motion. Todas estas consideraciones se exponen en el presente artículo, donde el tipo de producción, argumentos y técnica se han puesto en contexto con el fin de identificar tendencias que se han podido dar en el sector en la última década.

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ENTRADAS ANTERIORES


Deformar a la Gorgona: la imagen animada como estrategia para documentar el horror

  Bruno Hachero Hernández

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¿Qué nuevas relaciones con lo real propone el documental animado? ¿Qué nuevas configuraciones de lo visible y lo pensable plantea? Estudiar las características del documental animado a la luz del límite representativo que supone el horror es una oportunidad para reflexionar sobre la propia ontología de la imagen animada en su relación con lo real. Este artículo parte de Vals con Bashir para analizar cómo la animación se erige como imagen intermediaria frente a la no-imagen del horror. La imagen animada, al igual que el escudo de Perseo, permite abordar la realidad desde una determinada desfiguración, una distancia que plantea nuevas miradas y nuevos interrogantes para el cine.

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El realismo animado de Sang-ho Yeon

  Carlos Gómez Gurpegui

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Este artículo se centra en la figura del director de animación surcoreano Sang-ho Yeong. Con solo dos largometrajes en su haber, ha logrado que sean las primeras cintas animadas de Corea del Sur en proyectarse en Cannes o ganar con su segunda cinta en Sitges. Su obra, aún poco conocida en nuestro país, realiza un crudo retrato de la sociedad surcoreana del momento. En el presente artículo revisaremos las bases sobre las que se asienta el cine de Sang-ho Yeong, trazando una correspondencia entre su cine y el cine independiente de animación de su país, y cómo ha sabido aunar el realismo y la animación creando un sólido discurso social, focalizando el estudio en sus dos largometrajes dirigidos hasta la fecha: The King of Pigs (Dwae-ji-ui Wang, 2011) y The Fake (Saibi, 2013).

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El verdadero ataque de los titanes: la combinación ganadora internacional de Shingeki no Kyojin

  Carmen Lavinia Seva Victoria

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Tras años de silenciosa pero creciente mejora de la animación japonesa, emerge Ataque a los titanes, una serie televisiva de tales dimensiones, en su producción y sus planes de mercado, que es imposible ignorarla por parte del gran público occidental. Ataque a los Titanes representa un recordatorio internacional de que la animación es una técnica capaz de subyugar también al espectador adulto. En este caso, es también una prueba de los últimos avances artísticos y técnicos en el anime, desde un lenguaje muy personal. Su triunfo no debe tanto a su idónea receta inicial como a su impresionante impacto en los públicos, convirtiéndose en un fenómeno viral, que la industria nipona ha sabido retroalimentar con suficiente maestría, hasta convertirlo en un colosal fenómeno de 2013. El presente artículo ahondará, en primer lugar, en la concepción de la serie, haciendo énfasis en los factores que la hacen destacar dentro de las series anime y en competencia con obras de acción real; en un segundo punto, introduciremos los valores artísticos de su unicidad; y, finalmente, evaluaremos su repercusión a nivel nacional e internacional.

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Ninjas, princesas y robots gigantes: género, formato y contenido en el manganime

  Alba G. Torrents

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Este artículo se sirve de las nociones veronianas de género-L y género-P para intentar aportar un poco de luz a la problemática de la clasificación de géneros en el manga y el anime. Para ello, se adopta estratégicamente la distinción entre género-L y género-P, aplicándola al manga y al anime, para mostrar a continuación que la aplicación de dichas categorías veronianas a este campo de producción cultural japonés es mucho más problemática de lo que puede parecer en un principio.

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El arte de la animación selectiva en las series de anime contemporáneas

  Antonio Horno López

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Wall-E. Humanamente tecnológicos

  Débora Madrid Brito.

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De los Grimm a Disney. Un estudio narratológico de la adaptación de Blancanieves

  Tomás Sánchez Hernández.

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Los pioneros olvidados del anime: Kenzō Masaoka

  Laura Montero Plata

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Bogotá: imaginarios de ciudad en tres obras animadas

  Ricardo Arce y Diego Hernando Sosa

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La linterna mágica de Jan Švankmajer. Švankmajer y el cine de animación checo

  Jesús Palacios

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La aportación de los personajes femeninos al universo de Hayao Miyazaki

  Ana María Pérez-Guerrero

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Alma en suplicio. La Medusa animada de Ray Harryhausen

  Manuel Ferri Gandía

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Victory Through Airpower: el Disney atípico

  David Flórez Rodríguez

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Millennium Actress, una mirada en profundidad

  Rolando José Rodríguez De León

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El carnaval de los animales: Animar (el sexo) en pareja. Una revisión del imaginario sexual a partir del humor irreverente

  Rosa Torres Pujol

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Controversia sobre el origen del anime. Una nueva perspectiva sobre el primer dibujo animado japonés

  Antonio Horno López

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De Garbancito de la Mancha a Los sueños de Tay-Pi: Una aproximación al cine de animación español producido por Balet y Blay

  Núria Nadal i Rovira

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Luz, cámara, render… El software de imagen sintética 3D: tecnología, ideología y realismo

   Marcelo Dematei

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Carlitopolis o el escamoteo de un ratón. La relectura del cartoon contemporáneo desde el cine de los orígenes

.Samuel Viñolo Locuviche

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Los mundos [teóricos] de Coraline: Psicoanálisis, Postfeminismo y Postmodernismo en el cine de animación

.Estefanía Martínez González

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Homosexualidad, infancia y animación: del nacimiento de Pebbles Picapiedra a la adopción de Ling Bouvier

.Emilio Martí López

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